„Marty Supreme“-Rezension: Timothée Chalamet bringt Chaos-Energie in dieses Sportdrama mythischen Ausmaßes

New York City ist nicht so sehr eine Figur Marty Supreme Denn es ist der zehnte Kreis der Hölle, aus dem der verzweifelte, großäugige Stricher Marty Mauser (Timothée Chalamet) hofft, zum Ping-Pong-Star aufzusteigen. Was aus der Ferne wie ein gewöhnliches historisches Biopic wirkt – Mauser basiert lose auf dem extravaganten New Yorker jüdischen Sportstar Marty Reisman – entwickelt sich schnell zu einem wahnsinnigen, schweißgetränkten Fieber, das nicht aufhören will. Aber trotz all seines spaltenden Chaos sind die Gedanken des Films nach dem Zweiten Weltkrieg alles andere als willkürlich. So viel wie Marty Supreme ist eine aufrüttelnde, treibende und explosive Geschichte über einen sportlichen Außenseiter, es geht aber auch um die lebhafte Naivität der Jugend, die Ängste des modernen Judentums und den kompromisslosen Aufruhr, den jemand verursacht, der die Geschichte beiläufig ignoriert, während er versucht, ihr seinen Stempel aufzudrücken.

Regisseur Josh Safdie – die Hälfte des Geschwisterduos dahinter Gute Zeit Und Ungeschliffene Edelsteine – schließt sich erneut mit mehreren seiner üblichen Mitarbeiter zusammen und gibt einen unheiligen Tropfen Red Bull und Kerosin ab. Es dauert zweieinhalb Stunden Felsig -artige Saga, in der sich die traditionelle Comeback-Trainingsmontage in einen eigenen kinetischen Krimi-Umweg entfaltet, über einen Deutschen Schäferhund namens Moses und seinen landschaftlich kauenden Besitzer (Abel Ferrara). Der Bildschirm füllt sich mit einer Kavalkade unerwarteter (und wunderbar menschlicher) Gesichter, wie sie Josh und sein Bruder Benny schon lange unter Laien gefunden haben. Aber während Bennys jüngster Ausflug, Die Zertrümmerungsmaschine , getreten überzeugend, aber vertraut Biopic-Boden, Marty Supreme kratzt an diesem ganz besonderen, kompromisslos jüdischen, zutiefst angstauslösenden Juckreiz, für den die Safdies mit New-York-Thrillern aus der Küche bekannt wurden Der Himmel weiß was .

Die spannungsgeladene Spannung der früheren Filme des Paares kommt in Safdies Solowerk deutlich zum Ausdruck. Die frenetische Kamera, mit freundlicher Genehmigung des erstklassigen Kameramanns Darius Khondji, fängt das weitläufige, spannungsgeladene Ensemble in engen Kurven ein und mit langen Objektiven, die sie in intimen Räumen überwachen. Der unmittelbare Übergang des Films zu Nahaufnahmen und sich überschneidenden Argumenten wirft uns ins kalte Wasser, während er seine Liste vorstellt, vom schnell redenden Mauser über seinen überheblichen Onkel Murray Norkin (Larry Ratso Sloman), in dessen heruntergekommenem Schuhgeschäft er immer noch arbeitet, bis zu seiner verheirateten besten Freundin aus Kindertagen, Rachel Mizler (Odessa A’zion), einer Tierhändlerin, mit der er immer noch eine Affäre hat – und vielen, vielen mehr. Nachdem Mauser halbherzig seinen gehorsamen Cousin Llyod (Ralph Colucci) mit vorgehaltener Waffe angegriffen hat, schnappt er sich das Geld, das er braucht, um zu einem großen Tischtennisturnier nach London zu fliegen.

Wir schreiben das Jahr 1952. Der Sport ist immer noch auf dem Vormarsch, und der Zweite Weltkrieg ist kaum noch im Blickfeld der Menschen, aber das hält den 23-jährigen Mauser nicht davon ab, klug darüber zu sein, eine dritte Atombombe auf seine japanischen Gegner abzuwerfen oder das zu tun, was Auschwitz nicht konnte, als er gegen den jüdisch-ungarischen Rivalen und Holocaust-Überlebenden Béla Kletzki (Géza Röhrig) antrat. „Ich kann sagen, ich bin Jude“, witzelt er gegenüber der eifrigen Presse, als würde Safdie um Erlaubnis bitten, an einige witzige und äußerst unbequeme Orte zu gehen. Mauser und Kletzki sind Freunde, und der rüstige Amerikaner drängt seinen älteren Kumpel sogar dazu, Geschichten aus den Lagern zu erzählen, wenn auch nur zur Ablenkung, damit er den ehemaligen Hollywood-Star und Ritz-Gast Kay Stone (Gwyneth Paltrow) treffen kann, das mittelalte Objekt seines großspurigen, einbrauigen Blicks.

Hinter dicken, achteckigen Brillengläsern belästigt und verführt Mauser Stone, eine Rolle, die Paltrows dramatisches Comeback nach vielen Jahren darstellt und ihr die Möglichkeit gibt, auf dem schmalen Grat zwischen Sehnsucht und Erschöpfung zu wandern. Sie kann Mausers jugendlichen Bullshit durchschauen, ist aber auch davon entzückt. Während der gesamten Laufzeit muss sich der wortgewandte Verkäufer auch unter den wachsamen Augen von Stones wütendem Ehemann Milton Rockwell ( Haifischbecken Kevin O’Leary, der aus den Tiefen der Hölle eine großartige Leistung heraufbeschwört), ist ein wohlhabender Tinten- und Federmagnaten, dessen Interesse an Mausers Karriere rein finanzieller Natur ist. Nach der Niederlage gegen den gehörlosen japanischen Virtuosen Koto Endo (Koto Kawaguchi) – die einzige Figur, die ruhig durch die Kakophonie des Films schneidet – ist ein niedergeschlagener Mauser gezwungen, in die tiefste Dunkelheit der engen Wohnung in der Lower East Side zurückzukehren, die er mit seiner herrischen Mutter (Fran Drescher) teilt. Es bleibt ihm überlassen, sich den Weg zurück zum nächsten Turnier in Japan zu bahnen, während er sich gleichzeitig mit der Realität auseinandersetzen muss, dass Rachel schwanger ist und das Baby möglicherweise ihm gehört. Es kommt zu Hijinks und noch mehr.

Das Lachen und der rasante Nervenkitzel des Films entstehen nicht nur aus den gefühllosen Eigenheiten der Charaktere, sondern auch aus schnell geschnittenen, weltreisenden Sportszenen und einer passenden Ping-Pong-Struktur, die Mauser mit Schallgeschwindigkeit zwischen verrückten Situationen hin- und herfliegen lässt. Chalamets glühend heiße Darbietung schafft einen hinreißenden, zutiefst nachvollziehbaren Egozentriker, der glaubt, er könne sich aus jeder Situation herausreden – sogar aus einem Autounfall. Er ist ein erfahrener Lügner und so überzeugend, dass er seine Grundüberzeugungen ändern kann, wenn es darum geht, schnell Geld zu verdienen. Mauser ist ein schlauer Trottel, aber Chalamet könnte insgeheim der intelligenteste Hauptdarsteller Hollywoods sein, wenn man bedenkt, wie er alle Grundsätze der Geschichte und des Designs um sich selbst wickelt, um seine Vorstellung von der Figur zu formen. Seine dürre Haltung wie ein verwundetes Tier, sein motorisierter Vortrag und sein unersättlicher Ehrgeiz treiben den Film voran und beschwören jede weitere Szene herauf, in der Mauser praktisch aus der Haut springt. Er kann es kaum erwarten, auf das nächste Ding zuzustürmen; der nächste Schachzug, das nächste Spiel, die nächste Stufe des Ruhms.

Düstere Keller und heruntergekommene Hotels sind Schauplatz dieser gefährlichen Reise, die jeweils mit der Intensität von Verhörräumen wiedergegeben wird. Wenige Filme seit Martin Scorseses Late-Night-Komödie Nach Geschäftsschluss haben New York als solch einen invasiven Raum dargestellt, der unbedingt verhindern will, dass eine Person einfach über die Runden kommt. Diese bedrückende Energie ist der perfekte Stolperstein für Mauser, der trotz der Knappheit in seiner Tasche versucht, einen Nachkriegsidealismus aufrechtzuerhalten, der einen uneingeschränkten Glauben an die Welt und seine Fähigkeit, sie zu gestalten, entstehen lässt. Sobald er sich wieder mit Rachel verbindet, beginnt der Film unheimliche, fast mystische Eigenschaften anzunehmen. Geld und Möglichkeiten fallen Mauser in den Schoß – der Film hat zu viele Deus ex machina zählen – nur damit der unternehmungslustige Sportler versucht, seinen Kuchen zu essen, ihn auch zu essen und ihn auch zu ficken.

Alles in dieser Geschichte über Lust, Gier und unkontrolliertes Ego ist dank der langsamen Zooms und verführerischen Push-Ins der Kamera von praktisch religiöser Bedeutung. Safdies visueller Ansatz erzeugt ein Gefühl des dringenden Mysteriums um jede Person und jedes Objekt, insbesondere wenn er von Daniel Lopatins ätherischer, schimmernder Partitur getragen wird, die die Klanglandschaft im Stil von Vangelis auf dem Höhepunkt seiner Kräfte in den 1980er Jahren überwältigt. Gepaart mit dem gezielten Einsatz von Hits aus der Mitte der 80er Jahre wie dem Synth-Pop-Track von Alphaville Für immer jung und die Pop-Rock-Ballade „Tears for Fears“. Jeder will die Welt beherrschen Der Film ist akustisch unabhängig von Zeit und Stil. Wie Mauser ist es bestrebt, vorwärts zu rasen. Meistens spiegelt es die Art von hyperaktivem New Yorker Indie wider, die von John Cassavetes und anderen Außenseitern der Lower East Side des No-Wave-Kinos der 70er und 80er Jahre populär gemacht wurde, gefiltert durch ein riesiges Budget und eine kirchliche Linse.

Mauser, gefangen zwischen seiner vorherbestimmten Rolle im Einzelhandel und seinen Träumen vom Ruhm, nimmt schnell Klassendimensionen mit überraschenden theologischen Ebenen an. Schon bald kommt unter dem Chaos auf subtile Weise eine dramatisierte Debatte über den freien Willen und die Existenz einer gütigen Gottheit zum Vorschein. Eine Geschichte voller sicher , oder rabbinischer Zweifel, der Film scheint zu fragen: Wenn es einen Gott gibt, ist er dann überhaupt auf Mausers Seite? Keine dieser düster-komischen Fragen wird explizit im Dialog angesprochen, aber der Film untersucht die Idee des Glaubens auf vielfältige Weise, insbesondere indem er einen modernen, nichtjüdischen Kapitalismus (verkörpert durch den rücksichtslosen Rockwell) sowohl als ständige Quelle der Versuchung und Angst für Mauser als auch als einen frech umgekehrten Hollywood-Schöpfungsmythos darstellt. Die frühe amerikanische Filmindustrie war einst der Zufluchtsort jüdischer Führungskräfte und Kreativer, die in den Jahren vor dem Zweiten Weltkrieg gelang durch Assimilation indem wir der Öffentlichkeit nichtjüdische Stars präsentieren. Marty Supreme stellt dieses Verständnis der Filmwelt (und der Welt als Ganzes, die durch globale Konflikte verändert wurde) völlig auf den Kopf, als ein WASP-Geschäftsmagnat hofft, einen jüdischen Sportler als Entertainer zu sponsern. In dieser Ära des Rekonstruktionismus scheint – finanziell und im Sinne des nordamerikanischen rekonstruktivistischen Judentums – alles möglich. Allerdings würde die Annahme von Rockwells Deal für Mauser bedeuten, dass er ein bevorstehendes Match verweigert und damit die Zukunft zerstört, die er sich wünscht und von der er glaubt, dass er sie als Persönlichkeit verdient, die zu Großem bestimmt ist, auch wenn er denkt, dass er auf Schritt und Tritt sabotiert wird.

Marty Supreme ist ein Film über Mythenbildung in der Krise. Mauser kann sich scheinbar nicht für eine Hintergrundgeschichte entscheiden, aber als Kletzki seine eigene Geschichte über moralische Kompromisse und das Überleben in den Nazi-Lagern erzählt, ist dies das einzige Mal, dass der Film zu einer Rückblende wechselt, die eine so wunderbar seltsame Güte festigt, dass sie am Ende heilig wird. In Kletzkis Erinnerung stößt er auf einen Bienenstock und schäumt seine Brust mit Honig ein, damit seine Mithäftlinge ihn als Nahrung ablecken können. Seltsam für das Ohr, aber großartig anzusehen (und wie eine Barockoper komponiert), ist es ein seltener Moment der Atempause von Mausers atemloser Täuschung und der allgemeinen Klaustrophobie des Films. Es gewährt uns eine strahlende Vision davon, wie die Gegenwart Gottes überhaupt aussehen könnte, in einem Film voller zynischer Charaktere, die der Religion von Geld und Ruhm nachjagen. Es ist schwer, sich nicht zu fragen, ob Mauser jemals so selbstlos sein würde.

Es ist unwahrscheinlich, dass er das tun würde, zumindest wenn wir ihn zum ersten Mal treffen. Der Film ist umso besser, wenn man Mausers wilde und listige Eskapaden zu Underground-Tischtennisturnieren bedenkt – deren Amateurspieler er mit seinem leidgeprüften besten Freund Wally (Tyler Okonma, alias Rapper Tyler the Creator) hetzt – und seine wilden Auseinandersetzungen mit einer Reihe farbenfroher Charaktere, wie einem steingesichtigen Hundenapper, gespielt vom legendären Vegas-Bühnenmagier Penn Jillette. Das Vorherrschen anderer Arten von Darstellern in diesen Schauspielrollen verstärkt die Frage des Films nach der Authentizität in einer Welt, die im Streben nach Größe Ausverkauf verlangt. Jeder leistet zu jeder Zeit seine Leistung Marty Supreme , aber eine unsichtbare, allegorische Kraft beschwört immer wieder Lehren in dramatischer Ironie, die ihre Täuschungen zunichte machen. Für jeden vorgetäuschten Raubüberfall, für jeden Requisitendiamanten, für jede vorgetäuschte Verletzung oder für jede nachgeahmte Schusswaffe lauert meist gleich um die Ecke ein echter Raubüberfall, der den Einsatz um das Zehnfache erhöht, indem man an jeder möglichen Schraube dreht.

Und doch kann der Film selbst nicht anders, als im Dienste einer umfassenderen und entwaffnenderen Hollywood-Unterhaltung seltsame Unwahrheiten zu erfinden. Die Darstellung der 1950er Jahre als Zustand des gesellschaftlichen Übergangs führt zu vielen Mythologisierungen; Mauser war vielleicht nicht real, aber er ist aus der Bewunderung von Safdie und Co-Autor Ronald Bronstein für eine reale Person entstanden. Der Film zeichnet die fiktive Erfindung des orangefarbenen Tischtennisballs nach (der in Wirklichkeit erst Jahrzehnte später auftauchte), den ersten Einsatz des berühmten Stifthaltergriffs in dieser Sportart (dessen wahre Ursprünge eher unklar sind) und sogar den scheinbaren Beginn des modernen Method Acting, während eines Umwegs, bei dem Mauser eine von Stones Bühnenproben besucht, um sie zu verführen/zu betrügen.

Nur wenige Werke im modernen Hollywood haben sich mit so großer Begeisterung dem Wahnsinn der Jugend hingegeben, und noch weniger wurden von so unaufhörlichem Adrenalin angetrieben, auf dem Weg zu einer so freudigen Katharsis. Es gibt nichts Vergleichbares.

Safdie geht sogar so weit, Mauser den Großen Pyramiden gegenüberzustellen, von denen der junge Gauner glaubt, dass sie von jüdischen Sklaven erbaut wurden ( ein verbreiteter Mythos ), und forderte ihn auf, sie zu zerstören und ein Stück davon als rechtschaffenes Andenken abzuwerfen. Ihn treibt vor allem ein geradezu fanatischer Glaube an das, was ihm zusteht – eine praktisch zionistische Einstellung, die langsam abgebaut wird. Das soll keineswegs heißen Marty Supreme handelt es sich um eine politische Schimpfgeschichte, oder dass diese Zerlegung völlig beabsichtigt ist, aber ihr Zeitrahmen und Mausers zynischer Einsatz von Holocaust-Erzählungen spiegeln unterschiedliche Vorstellungen über die heutige politische Identität wider. Wie Ungeschliffene Edelsteine davor (was die Herausgeber von Jüdische Strömungen eine halten Notfallsitzung zum modernen Judentum), Marty Supreme ist durchdrungen von zeitgenössischen Spannungen im jüdischen Glauben und in der jüdischen Kultur, die wahrscheinlich auf Safdie zurückzuführen sind eigene Erziehung von einem nichtreligiösen jüdischen Vater. Gibt es denn einen besseren Weg, das Spirituelle und das Viszerale in Einklang zu bringen, als ein Protagonist mit weltlichen Wurzeln, der sich für göttlich hält?

Der Ausdruck dieser Göttlichkeit erfolgt durch die physische Textur. Die Körnung des 35-mm-Films fühlt sich lebendig an; jede Oberfläche fühlt sich glühend an; Jede gerötete Wange und jede schweißdurchnässte Stirn pulsiert vor Leben. Schöpfungsakte gibt es in Hülle und Fülle Marty Supreme , unter anderem in der kühnsten Vorspannszene des Jahres, deren Darstellung eines Orgasmus im Hinterzimmer sich auf urkomische Weise in eine mikroskopische Nahaufnahme der eigentlichen Empfängnis verwandelt. Das Ergebnis ist ein wunderschön perverses Toben, das von der bloßen Kraft des Glaubens angetrieben wird und eine nervenaufreibende Intensität und eine schockierende Menge Blut hervorbringt. All diese Schnörkel dienen dazu, individualistische Bestrebungen anzuregen, die ebenso traurig einsam wie belebend sind – wie der amerikanische Traum, der sich in all seinem Wahnsinn und seiner Komplexität manifestiert. Nur wenige Werke im modernen Hollywood haben sich mit so großer Begeisterung dem Wahnsinn der Jugend hingegeben, und noch weniger wurden von so unaufhörlichem Adrenalin angetrieben, auf dem Weg zu einer so freudigen Katharsis. Es gibt nichts Vergleichbares.

Marty Supreme wird am Weihnachtstag 2025 von A24 in ausgewählten Kinos veröffentlicht.

Siddhant Adlakha ( @SiddhantAdlakha ) ist ein in New York ansässiger Filmkritiker und Video-Essay-Autor, der ursprünglich aus Mumbai stammt. Er ist Mitglied des New York Film Critics Circle und seine Arbeiten wurden in der New York Times und im Variety veröffentlicht. The Guardian und New York Magazine.